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第五回 『構成-B』 :

創作ワークショップ初級 『まちから作品を創る』 最終回(4/23)の記録。


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前回に引き続き 「構成」 の話。この日は朝から鬱がひどくて、1時間近く遅刻してしまった。本当に申し訳ない。この場を借りてKさん、岸井さんに謝罪したい。本当にごめんなさい。

というわけで、参加者は、僕と岸井さんと、ワンダーランドに劇評を書いているKさんの3人。今日は最終回ということで、作品の創作まで行く予定。前回までのおさらいをしながら、「構成」という言葉について、お互いどのようなイメージを持っているかなど確認。

僕の場合、構成=時間軸の配置(通時的配置)+共時的な取捨選択・配置というイメージがあってまずその話をしたのだけど、岸井さん曰く、(それは決して悪い意味ではなく)非常に的確な近代的思考ですね。とのこと。

つまり、 「構成」 には、 「時間構成」 と 「空間構成」 がある。というのが近代以降の一般的な常識である、ということ。

僕は、どちらかというとソシュールの共時態/通時態という概念や、あるいはシンタグマ(語の統辞的関係)/パラディグマ(語要素の範列・連合関係)という述語概念を念頭に置いていたのだけど、面白かったのは、この 「時間構成」 と 「空間構成」 を、別個の概念として扱うのではなく統一しようとしたのがパウル・クレーで、彼は絵画空間のなかに時間構成をもたらそうとしたのだった、というエピソード。

ざっくりいえば、空間構成の方法を、“観察/鑑賞する者”の視線の動き(=それは時系列に沿った“運動”である)を基準に考え、それ(=視線の動き)をコントロールするために空間構成を考えようと、つまり時間構成を空間構成に落し込んで考えようとしたのだ。という話なのだけど、そのアプローチの可否はともかくとして、


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翻って自分の場合について。自分が演出を考えるときにはいつも、観客が舞台上の何を見ていたとしてもその視線が観客の関心の変化に連れて移動して、移動するその視線の流れが、しかしいつのまにか同じ場所(もの)に行きついてそしてそのようにして空間に張り巡らされたたくさんの糸が最終的に一本に撚り合わされるように、そしてそこにドラマの核心があるように、ということを僕はいつも考えている。


ワークショップの具体的な内容としては、「構成」の“並び順”についての重要性を確認するために、

1.街中を一定の距離に分けて何回か歩き、
2.その区分毎に感じたことを「言葉」(「言葉」については文章ではなく、単語か、修飾語のついた一文節程度がいい。例:都市の裏側の喧噪、腐食しているプラスチック etc )に残し、
3.区分毎に幾つか書いたその「言葉」のなかの一つをピックアップし、
4.最後に、その「言葉」(=テーマ)がもっとも伝わる場所を二か所探し、どちらを最初に見せ、どちらを後から見せるか決める。(ちいさな作品を作る。場所については、静止画で、この景色、と決められる場所がいい。)

という簡単な作業をまず行った。

見せられた景色×二つを通して、鑑賞者(景色を提示した人以外の参加者)が、果たしてそこからどのようなテーマを受け取ったか。

鑑賞者二人は、各々、受け取ったテーマ(だと感じたもの)を言葉にしていったのだけれど、面白かったのは(それはある意味では失敗だったのかも知れないけれど、)鑑賞者の二人が受け取ったテーマが非常に似通っていたのに対して、発表者の想定していたテーマが微妙にズレていた、ということ。

ここで注目すべきは、多少であっても、発表者と鑑賞者のテーマがズレていた、その一方で、(上に書いたこととと同じことなのだけど、)見方を変えれば、鑑賞者の側で受け取ったものが非常に似通っていたということだ。

果たして、ここで起こっていることはいったいどのようなことなのだろうか。

岸井さん曰く、発表者が真剣に、自分のテーマを説明しようとするのではなく、テーマがリアルに感じられるものを「選択」して配置していたからこそ、多少のズレはあっても、何かがきちんと伝わっていたのだ。ということだった。(このことは自分なりにもうちょっと考えを深めてみたい。)

ただ、少なくとも自分なりに理解できたことには、何か一つだけビジョンが提示されのだったらそれだけでは皆目見当がつかないところを、同一のテーマで二つ以上提示されることによって、そこに共通する(その二つのビジョンの背後に通底する)ものは何か? ということを、鑑賞者は必ず考える。そして、そのようなプロセス=連なったいくつかのビジョンの「構成の感覚」を感じるということを通じてこそ、「テーマ」は伝わるのだということ。

構成とは、 『並べること』 である。そして、構成によって、 『構成の感覚』 が発生する。テーマなどの複雑な情報は構成感覚を利用することによってしか表現できない。ここに時間表現が(あるいは時間表現である演劇が)必要とされる理由がある、ということ。

以下に引用する岸井さんの作ったハンドアウトそのままなのだけれど、この発見は、自分にとって本当に大きかった。


● 構成とは、 『並べること』 である。

● 作品構成の目的は、
 『テーマ(誰が何を指し示すか』 を伝えること
 に集中するとうまくいくことが多い

これは型(結果をまとめるための便利なテクニック)なので、あまり気にしないでもよいです。以下は、私が一番使う方です。

●伝えることを目的とする構成は、
 伝えられる側がどういう順番で受け取るか
 だけのもんだいである。

よって、考えるべきことは、並べられる要素とその順番だけです。

●構成によって、 『構成の感覚』 が発生する。
テーマなどの複雑な情報は構成感覚を利用することによってしか表現できない。ここに時間表現が必要とされる理由がある。

●構成要素を選ぶのは、自分にとって、それが REAL であるかどうかに集中するとうまくいくことが多い。

●選んだ要素を、構成感覚を考えて並べると、作品が完成する。

***

●作品創作は、
「あるがままを感じていき、(観察)
その中で出会ったものを意識的に選び取り、(選択)
選んだ者を伝えるために、(テーマ)
感じ取ったものを並べる。(構成)という手順で進む。


ワークショップはその後1時間の創作時間(自由時間)をとって、前回作成したチャートに従ってそこに現れた自分の「テーマ」を表現するための「作品」制作をして、それに対しての岸井さんの講評を以て終了した。

ここで僕がどのような作品を制作したか、については書かない。書いても意味がない、というよりか、ここが舞台表現というメディアのもっとも面白いところで且つその生命線だと思うのだけど、言葉で説明してもこのとき作った「作品」については絶対に記述しきれないからだ。

いや、記述することは出来るかも知れない、ただ、それを記述するということは作品の説明ではなく、僕の作った「作品」に対するレスポンスとしての、それとは別のまた新たな作品を作るという行為に他ならないのだと思う。(そしてそれは/それが他でもない批評という行為だ。)


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  • 2009.04.30 (木) 10:11
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第四回 『構成-A』 : (2)

で、「選択」をして、岸井さんのテクニックに従って今回、作ってみたチャートが下記のようなもの。


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※参考までに、クリックするとPDFファイルにリンクします。

「選択」の回にも思ったのだけど、岸井さんの創作ワークショップ初級 『まちから作品を創る』 は、なんというか、自分の天然の「テーマ」が、(あるいはそれに先立つ「選択」の偏向が、)実に見事に炙り出される。いろいろなものが、図らずも露呈してしまう、と思います。

例えば、こんな図を見せられてもちょっと意味が分からないかも知れないし、それ以前に、そもそも自分以外の人間にこんなもの、興味持ってもらえるのかどうか分からない(だって、ひょっとしたら自分自身の占いの結果とか、生い立ちなんかを語って聞かせるようなものだと思うから。)のだけれど、

それでも一応、解説をすると、真中にある「直線と覆いかぶさるもの、通りぬけ」というのが、今までのワークショップでさんざん写真を撮ってきた「気になるもの」、というか、「気になるもの」に共通する要素。

で、これが、「1. 観察の結果選択した言葉」になって、

そこから、連想するものを20個以上付箋に書き出したのが、他の19個のワードになります。

抽象度の高い言葉から、具体的な名称までいろいろあるけど、それらを先のチャートにまとめるためのテクニックに従って順に配置していったものが、上の図。で、先のノートにあるように、

8. 構成順としては、「△の2番目」→「×の一番上」→「○の一番上」→「△の一番上」とすると、テーマが伝わりやすい

「△の2番目」にあるワード群=ここでは、「直線と覆いかぶさるもの、」 「川(水の流れ」「水道」 「トンネル」 「半円」 「異界への入り口」 等といったワード、この具体的なイメージを入口に、これらをモチーフにいったんネガティブなイメージ=「一方通行」や「産道」に振っておいて、(これがネガティブなイメージなのは、あるいは反対側の「墓」とか、「提灯」とかがポジティブなイメージなのは、繰り返し岸井さんにも問われたのだけど、個人的にどうにもそうとしか思えないのだからしょうがない。)

そのあとで、ポジティブなイメージのほうへ振り返し、最後に△(ニュートラル)で一番重要(important)な「立ち止まる」(これが僕の作品のテーマ!)に至るように作品を「構成」するとよい。 というのが、今回の、僕(の創作)について、チャートを作ってみて分かったこと。

且つ、次回へつながる内容なのだけれど、それよりも、先にも述べたように、自分の、(今現在の、)天然のテーマが炙り出されたことが、何よりも大きな収穫でした。

今回は。

だって、「立ち止まる」なんて、言葉を変えると(最初にこの言葉を書き出したときには、そんなこと思いもよらなかったのだけど、)「立ちすくむ」という言葉に置き換えられる。とすると、これ、実はここ数年の創作上の最後の、作劇上のオチとでもいうべきような、ビジョンそのものなんです! 内緒に(?)してたんですが、いつもそんな、ここ数年の作品はそんな、(具体的には「振り返る」という)俳優の仕種で芝居が終わっていたんですね。吃驚。

そのほかにも、空間のイメージについては、昔から(これはずっと以前から意識的ではいたのだけれど、)「ひもろぎ」のイメージ、あるいは直線で区切られた「領域」というイメージを繰り返しモチーフとして使って来ていて、

近年のshelfの舞台作品を見たことがある方には、了解いただけるかもしれないけど、分かりやすいのは、えい。この↓美術ですね。

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あと、これ↓も。舞台空間を白いリノリウムで区切っているんですが、

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今まで繰り返し多用してきた空間に対するイメージというかモチーフというか、が、そもそも自分の天然の「選択」であって、またその先には、隠された自分の「テーマ」があって。

というのが、繰り返しになるのだけれど、今回のワークショップを通して浮き彫りにされた。というのが、今回のいちばんの感想です。

怖いなあ。本当に怖い。

でも、でも、その先に行くべき方向性も、今回のワークショップで少しだけ見えて来ていて、というのも空間的なイメージでは、これもそれと思わず書き出していたのだけど、「橋」というワードがあって、これはそもそもの「直線と覆いかぶさるもの、通りぬけ」からまっすぐに出てきたワードなのだけれども、あるいは「異界への入口」というワードともこれは響き合うのだけれど、能の舞台の「橋がかり」、これをきちんと自分の空間造形のなかに、意識的に折り込むことが出来ればいいのではないか。という。

昨年の利賀のコンクールで高い評価を頂いたのも、劇場というブラックボックスの中で、ではなく、野外という「選択」の幅の広い空間で、半ば無意識的に上手、と下手に「抜け」のある空間配置を選んで、それで2枚上の写真のような舞台を設営したのだけれど、

それが功を奏してか、審査員の皆さんからは、舞台を見ていて、まるで上手のハケ先が橋がかりのように感じられた。空間がとても豊穣だった。というような評価を頂いたんですね。

なんて、こんなことを書いていてもやっぱり僕以外の人には、この可能性の発見の歓びは、きっと共有はして貰えないだろうと思うのだけど、ともかくも言いたかったのは、

岸井さんのワークショップ。面白いです。

ということ。リンク先には「potaliveに興味のある方から、創作・表現に興味がある方、悩みがある方までが対象です。」とあるけど、自分自身の創作方法について、一歩引いて、一度、客観的に見直してみたい方には、本当にお勧めです。

機会がありましたら、皆さんもぜひ。

  • 2009.04.15 (水) 01:02
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第四回 『構成-A』 : (1)

岸井さんとのワークショップ四回目。今日のワークショップは岸井さんとのマンツーマンでした。他の人との差異が確かめられなかったのはちょっと残念だったけど、非常に充実した、ある意味逃げ場のない(笑)4時間。

それにしても前回からずいぶん間が空いてしまった。(調べてみたら前回は2008年6月、ほとんど一年前!)その前回までの「作品」→「観察」→「選択」 という流れを引き継いで、今日と来週にやる最後の二回のタイトルは「構成」。今日はその一回目で、「構成は、まずテーマです。創作のために使えるテーマの発見プロセスをたどってみます。」という内容。例によって歩きながら、選択をしていきましょう。ということで、いつものようにお散歩しながら話をしたり、写真を撮ったり。

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最初に歩きながら、「テーマ」という言葉にどんなイメージ、や、意味合いを持っている(持たせている)か。という話をしたのだけど、というのも、例えばアゴラの周りにいる若い演劇人だと「オリザさんが要らないものだ、と言っているものです。」という生真面目な印象があったり、あるいはある年齢を超えると、共産主義的な目標が出て来てしまったりするらしく。

どうも、世代や、環境によってずいぶん「テーマ」の捉え方が違うんですね。

で、僕はと言えば、テーマっていうと、先ず、テーマ=音楽用語というイメージがあって、どちらかというと自分の現場ではあんまり使わない。敢えて近しい言葉を探せば、「コンセプト」とか、「モチーフ」という言葉を使うことが多いかも。

このことについては、岸井さんに聞いて初めて知ったのだけど、音楽用語というイメージはあながち間違っていないらしく、というのも「テーマ(theme)」という言葉を最初に芸術の文脈に持ち込んだのは近代の音楽家たちで、音楽における主題、即ち楽曲を作る上での中心となる旋律、あるいはリズム上の特徴ある音の列なりを指したのが、そもそもなのだそうです。

それはそれとして、じゃあ、テーマって何? って考えると、例えば戦争映画があって、その映画の主役がある恋人たちだとして、

そこで、「恋人たちを題材に、戦争の悲惨さを描く」のだとしたら「恋人たち」が「モチーフ」で、「戦争の悲惨さ」=「テーマ」になるし、逆に「悲惨な戦争を背景に、恋人たち(の愛)を描く」のだったら、(それはどちらもあり得るし、ある意味まったく同じシナリオで、どちらとも描くことが出来るのだ!)「戦争」=「モチーフ」で「恋人たち(の愛)」=「テーマ」となる。

と、考えると分かりやすいのだけれど、言葉を変えれば、「テーマ」=「作品を通して伝えたいこと」であり、逆にそれが伝わらないと「作品」を「構成」する意味がない。

というのが、岸井さんの創作ワークショップでの考え方。もちろん、そこまで断言はしていなくて、岸井さんのノートを引用すれば、(ちょっと長いけど、)


● 『テーマ』 とは、 『誰が何を選んだか』 である。

● 『テーマ』 は、
 選択したものと近いものを観察し、
 連想するものを多く集めながら、
 言葉に落として決める。
(テーマを決めたら代えないことが重要です。)

●作品構成は 『テーマ』 を、伝えることが目的
・したがって、作品の構成は既存の構成(起承転結とか、理論順、歴史順、AA’BA、グラン・パ・ド・ドゥなど。)に流し込むのが基本です。尊敬している作家の構成をパクるのはアリです。
・もちろん、構成までクリエイト出来れば理想ですし、それについては次回の構成-Bでやります。が、労多くして得るものは少ないです。あまりお勧めしません。

●作品構成をするためには 『テーマを伝える』 ことに集中するとうまくいくことが多い。
これは型(結果をまとめるための便利なテクニック)なので、あまり気にしないでもよいです。以下は、私が一番使う方です。

テーマと構成を決めるテクニック 『チャート』 の作り方。
1. 観察の結果選択した言葉から、連想するものを20個以上付箋に書き出す
2. A3の紙をたてに3分割し、左から「×」「△」「○」と書く(negative neutral positiveのことなので、そちらのほうがピンとくる方は、そちらでどうぞ)同じ紙の左端に上向に「>」を書き込む(上がimportant、下がnot important)
3. 選択した言葉を、付箋に書き、△の一番上に貼り付ける
4. 付箋を○ △ × に分類する
5. ×→○→△の順に重要な順に並べる。×や○を並べ終わったとき、一番上と一番下が△でないかチェックする。また、△の一番上の言葉が、連想したほかの言葉より重要かどうかチェックする
6. 左右を見て、関係のあるものを横に並べる
7. △の上に来ている言葉が、あなたのテーマ
8. 構成順としては、「△の2番目」→「×の一番上」→「○の一番上」→「△の一番上」とすると、テーマが伝わりやすい

ということになる。

参考)
第三回 『選択』:
第二回 『観察』:
第一回 『作品』:
創作ワークショップ初級 『まちから作品を創る』

  • 2009.04.15 (水) 00:39
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第三回 『選択』:

「意識的な選択」と「無意識的な選択」との差異について。あるいは両者にはしばしば、差異がない!? ということについて。

厳密に言えば、「見る」ということには、既に「選択」が含まれている。ただし、それ(=見たもの=観察したもの)のなかから自分の「選択」を「意識化」することが、とても難しい。

「選択」を「意識化する」ためには、「観察」したもの(記録)から同じ部分と違う部分を分けてみること。「観察」したものからREALなものを探し出すことが大切。

ところで、「観察」を記録しているつもりが、「観察」したものの「感想」や「意見」になってしまっていることがある。

それはよくない。

何かから受け取った印象を語るのではなく、その印象を与えた / 与えるものが何なのか? を、具体的に記録すること。それが「観察」を「記録」するということであり、「選択」を「意識化」するということである。

そして、選択を作品の創作につなげるためには、意識化した選択を変えない。「選択をしたら、責任を持って、変えない。」ということがいちばん重要。

  • 2008.06.12 (木) 10:51
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第二回 『観察』:

「観察」のためには、

 「条件を決めること」
 「記録をとること」
 「記録を見返すこと」

が重要である。また、記録する際にはそのメモを、

 「観察」
 「感想」
 「意見」

に分けると良い。観察をする際は、

 「連続したもの」
 「断続的なもの」
 「一回性のもの」

に分けて記録すると記録しやすい。

じっさいにサウンドスケープの記録をやってみて、それを通して、観察したことの記録について考える。また、記録を公開し、共有した上で再度記録を取り直す(繰り返す)ことによって、「記録を見返すこと」を実践してみる。

サウンドスケープというのは、

・・・1960年代終わりに、カナダの作曲家レイモンド・マリー・シェーファーによって提唱された概念で「音風景」、「音景」などと訳される。風景には音が欠かせないという考え方で、そこからサウンドスケープデザインが生まれた。

「サウンドスケープ」とは、ランドスケープのランドを「サウンド」に置き換えた言葉で、音の風景という意味である。シェーファーの著書が翻訳されたとき「音風景」と訳された。近代では、音を環境から切り離し、あまりにも客観的に取り扱ってきたため、もう一度音を風景の観念でとらえ、その上で音をめぐっての関係性に注目し、日常生活や環境の中で音を風景としてどのようにかかわっているのかを考えるために、「サウンドスケープ」という概念が提唱された。(Wikipediaから引用)

というもの。用語の説明はさておき、やってみて面白かったのは、音を記録する際に、音源を探って言葉に書き起こす人(鯉の跳ねる音、鳥のさえずり等)と、擬音(トプン、ギチチチチチ等)で記録する人がいたこと。

また、鳥の声ひとつとっても、取りまとめる人と、カラス、すずめ、と分ける人、擬音で聞き分ける人、聞き分けようと思っても、あまり関心が向かない人があるということ。

やってみて自分で発見だったのは、自分は、記録をとる際に、観察者の側(記録をとっていた人たち)の出していた音、かばんを落とす、とかボールペンのキャップをはじくとかの音について、まったく捨象してしまっていたこと。

また、言葉と擬音を同時に記録していたのだけど、(水車の音、トプタパ・ザバザバ・ウンウンウンウン等)、その際、記録を箇条書きにするというより、どちらかというと絵を書くように、空間的な配置を記録にとっていたこと。

どちらもあまり意識していなかったので、他の人と比較してそれに気づいたとき、ちょっとショックだった。

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参加者で盛り上がったのは、(少し脱線したときなのだけど、)あることの「訓練」と、そのことに対しての自由さの獲得は、同時には得難い。という話。ピアノを自由に弾けるようになるためには、最初はどうしたって、繰り返し、繰り返しの「訓練」が必要で、ある種の抑圧が生じざるを得ない。という、

そんな話が出たのも、これだけ豊かな自然「音」を「記録」するのは難しい。から、音の「記録」 → 「記譜」 → 「楽譜」へと話がとんだから。

楽譜というのも、一度、音の豊かさを切り捨てて、音の長さと高低とに絞り込んだ結果、記録ができるようになったもの。では、例えば音以外の動き、や意識、について「記譜」をとるということについてはどうか。舞踊には有名な記譜法があるし、記譜法ではないけれど、スタニスラフスキーのなかに、「エリア」という概念があって、

それは例えば、夕飯を食べているときに、食べているものに集中しているのか、しゃべっている相手に集中して、何を食べているのか、が疎かになっているか。それとも、妻としゃべりながらご飯を食べているのに、テレビに夢中になっている、とか。

「そのときの自分のエリアはどこにあるか。」

という、つまり、意識している対象は何か。を、自分のとっている行動やしゃべっている内容とは分けて、把握するという方法。

そのほかにもいろいろ、心に残ったことはたくさんあったけど、そしてどれも自分が稽古場などで自然、演出をする際に意識して心がけているものばかりだったりしたけど、まさに、自分の抱えていた問題意識や方法論に対し、別の角度から光を当てられて今までとは違ったかたちで見えてくる。という、(先に述べたのと同じ)感覚。

取り敢えず時間を見つけて、近いうちラバンの著書も読んでみよう。

  • 2008.05.28 (水) 18:11
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